Артисты госоркестра

Кто тут главный?

Руководит оркестром дирижер. Он — первый среди равных. Именно ему принадлежит художественная трактовка произведения всеми музыкантами оркестра. Он помогает оркестру работать как единое целое. Исполнение симфонической музыки требует от дирижера хорошо натренированного слуха, чувства стиля и формы, и главное — хорошего вкуса.

Сегодня в руках каждого маэстро можно увидеть дирижерскую палочку. Она делает движение кисти более заметным для коллектива. Кроме того, палочка позволяет добиться большей экспрессии.

— Музыканты в основном смотрят в ноты, но периферийным зрением всегда видят дирижера, — подчеркивает Ткаленко. — Взмах руки, предшествующий звуку, так называемый ауфтакт — это что-то вроде вдоха, в нем дается и темп, и характер музыки. При разных ауфтактах будет совершенно разная музыка.

Среди оркестровых аксиом: дирижер в процессе исполнения всегда должен предвосхищать и корректировать то, что прозвучит в следующее мгновение…

Но в симфоническом оркестре есть такая фигура, как концертмейстер — руководитель той или иной группы инструментов. Среди таких руководителей на первый план выходит концертмейстер группы первых скрипок. Он — одна из центральных фигур оркестра.

— Вся струнная группа во время игры обязана ориентироваться на смычок первой скрипки — концертмейстера оркестра. До начала репетиции или концерта он руководит настройкой всего оркестра, чтобы был единый строй, не было фальши. Также в его обязанности входит расстановка скрипичных штрихов — направление движения смычка. Во время исполнения можно заметить, что вся струнная группа существует, как один большой организм, и единое дыхание обеспечивается именно одинаковым движением смычков. Должен заметить, это огромная работа: до начала репетиций подготовить ноты, чтобы все могли по ним играть. От композитора — через нотного редактора, затем библиотекаря оркестра, концертмейстера — к музыкантам.

Во время музицирования дирижер посылает своего рода импульсы в оркестр, и музыканты должны реагировать на них, подчиняясь дирижерской воли. Концертмейстер — своего рода буфер, передаточное звено, потому что дирижера может «заносить», а концертмейстер должен все время играть с холодной головой, ни на что «лишнее» не реагировать, уверенно вести за собой всю группу позади себя. Для этой работы нужны железные нервы и высочайшее мастерство.

Перед началом концерта дирижер пожимает руку концертмейстеру. Рукопожатие — давняя традиция. Это своего рода акт приветствия и настройка на общую работу, поясняет маэстро томского оркестра.

Концертмейстер солирует во время исполнения композиции Джона Уильямса из фильма «Список Шиндлера»

По словам Ярослава Ткаленко, между концертмейстером и дирижером в оркестре царит атмосфера понимания. Кстати, с нынешнего сезона у томского симфонического оркестра — молодой концертмейстер. Народный артист России Сергей Зеленкин, который выполнял эту работу более 40 лет, передал лидерские права Анне Штрауб, выпускнице Новосибирской консерватории, молодой, одаренной скрипачке.

Израиль. Исполнители и преподаватели на ударных инструментах

Композитор Борис Левенберг: «Хороший исполнитель на ударных инструментах — профессия редкая».

Гораздо более редкая, чем, скажем, хороший кларнетист или скрипач. Превосходный исполнитель на ударных — профессия редчайшая. Ответственность, лежащая на музыканте-скрипаче и музыканте-ударнике в симфоническом оркестре несопоставима. Если один оркестровый скрипач ошибется на концерте, слушатели этого, скорее всего, не заметят (ведь остальные скрипачи сыграют правильно). Если же во время исполнения ошибется ударник — это катастрофа. Провал. Кошмарный сон любого симфонического дирижера! Недаром существует столько анекдотов именно об исполнителях на ударных в симфоническом оркестре!

Из музыкантов, с которыми мне посчастливилось лично быть знакомым, к этой редчайшей профессии — превосходных исполнителей на ударных инструментах — относятся, с моей точки зрения, Леонид Решко и Давид Цим.

С Леонидом Решко мы 5 лет учились вместе в Ростовском музыкально-педагогическом институте. Превосходно владеющий искусством игры на многих ударных инструментах, Леонид многие годы был ведущим исполнителем в симфоническом оркестре Ростова. В мой ростовский период (без малого 31 год…) я, как и ряд моих коллег, других композиторов, заканчивая очередную симфоническую партитуру, шел к Леониду и советовался, как и какие ударные написать и как их организовать. Советы его всегда были точны и бесценны. Музыку и замысел композитора он чувствовал и схватывал мгновенно и великолепно. А когда я начал писать театральную музыку — то без Леонида Решко не обходилась ни одна запись. Причем я, как правило, писал ему только ритмическую канву, по которой Леонид блистательно импровизировал. Эти импровизации и сегодня можно услышать в записях моей театральной музыки в Ютюб.

В Израиль мы с Леонидом Решко репатриировались одновременно в 1990 году, с так называемой Большой алией (репатриация). Не надо рассказывать, с какими трудностями сталкивалась огромная армия приехавших из СССР музыкантов в поисках работы… То, что Леонид Решко не только не затерялся, а быстро стал ведущим израильским исполнителем на ударных инструментах в симфоническом оркестре Ришон-ле-Цион (и в израильской опере) — говорит само за себя!

Так случилось, что в Израиле мы живем не то чтобы далеко друг от друга (понятие «далеко» в маленьком Израиле очень относительно!) — но Леонид живет в центре, а я — на «крайнем севере», в Хайфе. И мы практически не общались. Однажды, лет 20 тому назад, я попал в Израильскую оперу на постановку оперы И.Стравинского «Похождения повесы», и из верхней ложи с удовольствием увидел, как Леонид виртуозно работает на литаврах. Тем более, что по сложности исполнения в отношении ударных (и не только!) Стравинский — это не Моцарт и не Бетховен! Но я после представления торопился, был тремп (подвозка), и я уехал домой, не повидавшись с музыкантом.

Короткая встреча произошла у нас этим летом. Одно из ярких моих летних впечатлений этого года — исполнение Третьей симфонии Малера Хайфским симфоническим оркестром. Услышать эту гениальную музыку в живом исполнении удается крайне редко — огромный состав оркестра и размер произведения (полтора часа потрясающей музыки) тому причины… И вот, находясь под впечатлением услышанного, я вышел из хайфского Аудиториума и столкнулся с Леонидом! Он был в числе приглашенных на исполнение музыкантов. Почему же я его не видел на сцене? — А помните соло на малом барабане, которое исполняется в этой симфонии ЗА СЦЕНОЙ? И это соло Леонид исполнил великолепно. Мы обнялись и договорились как-нибудь встретиться…

Еще один замечательный музыкант, с которым посчастливилось познакомиться уже в Израиле — Давид Цим, ведущий исполнитель на ударных инструментах хайфского симфонического оркестра. Много лет до приезда в Израиль Давид был концертмейстером группы ударных инструментов известного своим высоким исполнительским уровнем Гамбургского симфонического оркестра. Его игра всегда поражает точностью, артистизмом и музыкальностью.

Еще одна замечательная сторона деятельности этих больших музыкантов — педагогическая. Не знаю, преподавал ли в Израиле Леонид Решко — но в Ростове-на-Дону он долгие годы был ведущим преподавателем ударных инструментов в нашей Альма матер — Ростовском музыкально-педагогическом институте. А Давид Цим успешно обучает новое поколение хайфовчан этой нелегкой и редкой профессии.

Сара Чанг

Американка с корейскими корнями Сара Чанг родилась в семье музыкантов: отец был скрипачом, а мать – композитором. Неудивительно, что скрипку в руки она взяла уже в 4 года, а в 10 выпустила свой первый альбом, назвав его «Дебют».

Ее наставницей была Дороти ДеЛэй, которая в свою очередь училась у лучших: Ицхака Перлмана, Шломо Минца и других.

Сейчас Сара, которой всего 38 лет, продолжает активно гастролировать по всему миру, давая в среднем по 150 концертов в год.

В ее репертуаре можно встретить как произведения Вивальди, так и «европейских романтиков»: Чайковского, Мендельсона, Шостаковича, Брамса и т. д.

Учеба у Джакомо Косты

Очень скоро Серветто понял, что его музыкальных знаний недостаточно для обучения такого талантливого ребенка. Поэтому он направил его к Франческо Гнекко, а тот в свою очередь — к своему собственному учителю, Джакомо Косте.

В 1793 году в течение шести месяцев он дал Никколо тридцать уроков. Довольный прогрессом своего ученика, Коста пригласил его играть в нескольких церквях в Генуе. Первое зарегистрированное публичное выступление Никколо Паганини состоялось в церкви Сан-Филиппо Нери 26 мая 1794 года.

Во второй раз он выступил 1 декабря 1794 года в соборной церкви Ностра Синьора делле Винье по случаю Дня святого Элигия. За это он был впервые упомянут в рукописном журнале Avviso.

Продолжая выступать публично, в мае 1795 года Паганини снова появился в церкви Сан-Филиппо Нери, и вновь был упомянут в выпуске Avviso от 30 мая 1795 года. В нем говорилось, что «гармоничный концерт в исполнении приятного 12-летнего мальчика, г-на Никколо Паганини, ученика профессора г-на Джакомо Косты, завершился всеобщим восхищением и одобрением».

Когда его слава начала распространяться, отец становился все более строгим, заставляя сына упражняться по 15 часов в день. Если Антонио думал, что он тренировался недостаточно усердно, заставлял его практиковать больше, отказывая ему в еде. Таким образом, Никколо терпел физическое и психическое насилие.

М. Зельдин продолжает

— Несколько лет я работал в симфоническом оркестре Саратовской филармонии под руководством замечательного дирижера Мартина Сааковича Нерсесяна. После нескольких лет успешной работы в Саратове его пригласили в Москву — возглавить оркестр кинематографии СССР (1971–1983 годы). Многие его знают по многочисленным записям музыки к кинофильмам — в том числе к фильму «Семнадцать мгновений весны».

Консерваторию я заканчивал у Юрия Михайловича Калинина — преподавателя, приехавшего из Новосибирска.

Одним из наиболее важных событий в моей творческой жизни было прослушивание и прохождение по конкурсу во вновь созданный Ульяновский симфонический оркестр летом 1971 года. Работать в этот коллектив съехались музыканты высокого уровня со всех концов Союза. Главным дирижером был Эдуард Афанасьевич Серов. Общение с этим человеком обогатило меня как музыканта и как человека. Серов был творческой личностью с большой буквы.

Помнят кижане знатных звонарей

Словно продолжая их традиции, современные кижские звонари — Игорь Архипов, возродивший звоны в Кижах в 1989 году одним из первых на территории СССР, Игорь Хуттер, влюбленный в стихию колокольного звона, — стали первыми в России звонарями, получившими в 2000 году в Москве международное признание. На открытом Международном конкурсе творческих коллективов, солистов-инструменталистов и композиции, посвященном 1000-летию принятия христианства на Руси, они получили два первых места, став лауреатами конкурса в одной номинации «За композицию и аранжировку» (Игорь Архипов) и «За сохранение и развитие колокольных звонов» (Игорь Хуттер). В конкурсе приняли участие более 100 композиторов и творческих коллективов. Третий кижский звонарь — Алексей Нестеров — старается приобщиться и освоить это многосложное искусство — и ему есть у кого учиться.

Звонари России: Данилов Иван Васильевич, Дроздихин Илья Михайлович, Машков Владимир Иванович, Сараджев Константин Константинович, Юрьев Юрий Юрьевич.
Звонить в колокол — искусство удивительное и сложное.

По сути, звонарь, как дирижер, управляет целым оркестром. Ведь у каждого колокола свой голос, а на звоннице их больше десяти. Настоящий звонарь должен не просто ими управлять, но и уметь делать это радостно или печально, потому что звон всегда разный: в праздники и в будни.

Симфонический оркестр города Салоники

Оркестр был создан в 1959 году под именем Симфонического оркестра Северной Греции и изначально являлся частью Государственной консерватории г. Салоники, а в 1969 году он получил свое сегодняшнее наименование и стал государственным.

Государственный симфонический оркестр проводит концерты на территории всей страны, являясь постоянным участником крупнейших международных музыкальных фестивалей. В течение последних лет с большим успехом гастроли коллектива проходили в Германии, Италии, Франции, Чехии, Китае и на Кипре.
Справка. Владимир Афанасьев — ударные инструменты. После окончания консерватории им. Курмангазы (Алма-Ата) и начала трудовой деятельности в ГАТОБ им. Абая работал в симфонических оркестрах Волгограда, Харькова, Москвы, Каира, а сегодня работает в Государственном симфоническом оркестре Греции в Салониках. Является директором класса ударных инструментов Новой консерватории г. Салоники. Артистическую деятельность совмещает с преподавательской. Выступает как в группе ударных инструментов, так и в качестве солиста. Лауреат ряда Всесоюзных и Международных конкурсов, участник международных фестивалей. Провел мастер-классы и сольные концерты в России, Казахстане и Греции.

Материалы интернета. Акмолинск 23 апреля 2016, III музыкальный фестиваль классической и народной музыки «Кокшетау — тал бесігім». Особенность этого музыкального форума в том, что он собирает именитых музыкантов — наших земляков, блистающих на сценах мира.

Ярким, необычным продолжением и украшением вечера стало выступление барабанщика, лауреата международных конкурсов Владимира Афанасьева, приехавшего к нам из греческого города Салоники. В исполнительском арсенале музыканта более 180 наименований музыкальных и шумовых ударных инструментов. Кокшетауцев он удивил и порадовал двумя произведениями для литавр с оркестром, кроме того, исполнил композицию «Галоп» (Pierre Dervaux) для ударной установки с оркестром. Неожиданными и оттого очень интересными оказались исполненные им произведения — «Sandpaper Ballet» Л. Андерсона — так называемый танец наждачной бумаги. Две трущиеся друг о друга наждачные щетки в руках музыканта превратились в настоящий музыкальный инструмент. Шуршащий, своеобразный звук органично дополнялся музыкой оркестра. Но и это еще не все. Следующее произведение этого же автора — «Печатная машинка» в сопровождении оркестра — Владимир Афанасьев исполнил… на печатной машинке.

Ударные инструменты в творчестве Эдисона Денисова

Как известно, композитор был глубоким знатоком этой группы оркестра, постоянно сотрудничал с ансамблем ударных инструментов Марка Пекарского. Кроме того, Э. Денисов — автор монографии «Ударные инструменты в современном оркестре», в которой рассматривается функционирование ударных инструментов в музыке И. Стравинского, Б. Бартока, А. Шенберга, А. Берга, А. Веберна, О. Мессиана, С. Прокофьева, Д. Шостаковича и других композиторов.

Спектр ударных инструментов, применяемых Э. Денисовым, довольно внушителен. Среди них излюбленные композитором вибрафон, колокола, тамтам, маримба, ксилофон, подвешенные тарелки (Piattisospesi), а также гораздо более редкие даже для современной музыки басовая маримба, балийский гонг, альпийские колокольчики и другие. Однако гораздо более значителен тот факт, что ударные становятся полноправными участниками многих произведений Э. Денисова и даже берут на себя «главные роли».

Конечно, кроме известной книги Эдисона Денисова, есть еще ряд книг, которые помогают лучше узнать весь спектр обсуждаемой нами темы. Но, к сожалению, по сравнению с методической литературой для других музыкальных инструментов, их ничтожно мало. Приведу некоторые из них:

В. Котоньский. «Ударные инструменты в современном оркестре»;
Е. Андреева. «Ударные инструменты современного симфонического оркестра»;
А. Панайотов. «Ударные инструменты в современных оркестрах»;
Г. Дмитриев. «Ударные инструменты: трактовка и современное состояние».
И. Шабунов. «Ударные инструменты в симфониях Д. Шостаковича»;
А. Наумов. «Ударные инструменты и эстетика МХТ начала ХХ века»;
П. Игнатов, В. Никитина, А. Пьянкова. «Современные ударные инструменты».

Желание, любопытство и амбиции.

Владимир человек довольно скромный.

— Чем я заслужил Ваше внимание, Борис?.. Быть упомянутым в очерке рядом с такими известными именами, корифеями исполнительства на ударных инструментах как Владимир Колокольников, Марк Пекарский и моим хорошим другом Александром Блиновым — для меня большая честь

Конечно же, я с ними знаком лично и очень уважаю то, что они делают. Мастера — иначе не определить их творческий уровень.

О моих учителях. На моей родине, в г. Рудный (Казахстан) моим учителем в музыкальной школе и в училище был Александр Гаврилович Семенов. В консерватории (г. Алма-Ата) — доцент Бектаев Айбек Бектаевич. Они вложили в меня душу и мастерство, которым владели, научили чувствовать ритмы — это самое главное. Их уроки в сочетании с моими желанием, любопытством и амбициями сделали из меня профессионала. Каждый раз, начиная концертное выступление, я молюсь за них.

— Кстати, о твоих сольных выступлениях. Два произведения американского композитора Л. Андерсона (1908–1975). Исполняешь их ты просто замечательно. Меня заинтересовало, кто этот композитор, сочинивший эти симпатичные пьески? И еще мне интересно, как это выглядит на нотном стане?..

— Лерой Андерсон любил экспериментировать с инструментальными эффектами и не боялся для создания музыки прибегать к бытовым вещам: к наждачной бумаге в «Sandpaper Ballet» или к тикающим часам в «The Syncopated Clock»!

Андерсон мастерски передал ритмическую партию печатной машинки. Что заставило американского композитора использовать канцелярское изобретение как музыкальный инструмент, неизвестно. Может быть, причина кроется в его образовании? Андерсон окончил Гарвардский университет и консерваторию в Новой Англии. Он был лингвистом и владел датским, норвежским, исландским, немецким, французским, итальянским и португальским языками.

⁂

Формат очерка, к сожалению, не дает мне возможности глубже развить эту интереснейшую тему, которую я успел полюбить. Эстетические и художественные функции ударных инструментов бесконечно разнообразны, их история уходит корнями в первобытное прошлое.

Но я и мои друзья, на чьи свидетельства и статьи мне приходилось опираться в процессе работы над очерком, очень надеемся, что нам удалось заинтересовать тебя, дорогой читатель, удалось приоткрыть завесу чего-то не до конца знакомого и даже нового, рассказать о разнообразии, становлении и развитии неисчерпаемого мира таких простых и вместе с тем сложных ударных инструментов.

Борис Турчинский, октябрь 2012

Книги, очерки, статьи

Учеба в Парме

К началу 1795 года Никколо Паганини в своем родном городе зарекомендовал себя как известный музыкант, обычно играя на концертах свои собственные композиции. Местным музыкантам больше нечему было его научить. Поняв это, отец решил отвезти его в Парму к Алессандро Ролла.

Чтобы поехать и остаться в Парме, нужны были деньги, а у семьи их не было. Поэтому отец заставил его практиковаться еще больше, чтобы он мог собрать достаточно денег на благотворительном концерте, который состоялся в Театре Св. Агостино в июле 1795 года. Выступление прошло успешно, что позволило Антонио и Никколо Паганини уехать в Парму в 1796 году.

Добравшись до дома Ролла, они обнаружили, что хозяин болен и лежит в постели. Пока они ожидали его, мальчик заметил музыкальный инструмент и композицию, лежавшую рядом. Взяв скрипку, Никколо Паганини начал играть. Ролла, хотя и был очень болен, был поражен его игрой и сказал подростку, что ему нечего предложить. Однако он в течение нескольких месяцев давал ему уроки, а затем предложил изучать композицию у Фердинандо Паэра и контрапункт у Гаспаро Гиретти.

Никколо учился полгода. Под руководством Паэра написал 24 фигуры для четырех рук, а обучаясь у Гиретти, он написал огромное количество инструментальной музыки. Никколо также дал ряд концертов, как в Парме, так и в Колорно, зарабатывая себе славу и деньги.

Арканджело Корелли

Итальянский скрипач Арканджело Корелли родился 17 февраля 1653 года и о первой половине его жизни практически не сохранилось информации.

Доподлинно известно, что с 1681 года и до самой смерти в 1713-м он жил у кардинала Оттобони на полном обеспечении. Кардинал, будучи известным меценатом своего времени, полностью обеспечивал Корелли, чтобы тот мог заниматься исключительно музыкой.

Произведения Арканджело считаются отличным руководством для обучения игры на скрипке, в особенности его сонаты. В этом плане он достиг если не совершенства, то высочайшего мастерства.

Вершина его творчества – собрание из 23-х скрипичных сонат «Фолия» на тему испано-португальского народного танца.

Зачем духовикам трость?

Еще раз вспомнить фильм Феллини заставило поведение музыкантов во время репетиции. Если скрипки были постоянно заняты, то музыканты, играющие на духовых и ударных инструментах, сидели и напряженно чего-то ждали. Оказалось, они не просто ждали, а читали такты до своего вступления в общую игру.

Мы пригляделись по внимательнее к флейтам и кларнетам с гобоями, и оказалось, что по способу звукоизвлечения деревянные духовые делятся на два типа. Лабиальные (лат. labium — губы), когда воздух вдувается непосредственно через отверстие в инструменте. Так — у флейты, например. И язычковые (или тростевые): когда воздух поступает в инструмент через трость, которая является промежуточным звеном между самим инструментом и губами музыканта.

— Трость нужно готовить. Это вам скажет любой духовик. Они мастера в этом вопросе, у них уходит много времени на поиск хорошего материала для тростей и на их изготовление, — рассказывает Ткаленко. — Каждую новую трость нужно точить и подгонять под себя: сделаешь тоньше — звук будет более мягкий, но тихий, если толще — звук громче, но в то же время резкий. К тому же, каждую трость нужно разыграть. Вот для чего гобоистам баночки с водой. Они всегда под рукой, чтобы трости не сохли.

Музыкант осматривает состояние своей трости

Ицхак Перлман

Во второй половине XX века трудно отыскать имена скрипачей, которые могли бы сравниться с Ицхаком Перлманом.

Инструмент заинтересовал его в 4 года, когда он по местному израильскому радио услышал концерт классической музыки. Когда ему исполнилось 10, на радио крутили уже его выступления.

Всемирная известность пришла к нему в 1958 году, после визита на шоу Эда Салливана, которое было одним из самых популярных на американском телевидении.

В 1963 году, когда Перлману было всего 18 лет, он впервые выступил в «Карнеги Холл», на сцену которого удается попасть не каждому взрослому музыканту.

Помимо игры на скрипке он также является дирижером и педагогом, воспитавшим не один десяток талантливых исполнителей.

Его коллекция наград внушает уважение: чего стоят только 5 статуэток «Грэмми» и Президентская медаль Свободы.

Достичь совершенства

Сегодня все большую популярность у зрителей набирают концерты с участием тех или иных эстрадных или рок-групп в сочетании с симфоническим оркестром. Только в областной филармонии за последнее время прошли трибьют-шоу Metallica и Pink Floyd с симфоническим оркестром, концерт «Би-2» с томским оркестром.

— Но у нашего оркестра есть предпочтение, что играть. Конечно же, музыканты хотят больше играть классической музыки. В следующем сезоне планируем, что будем больше играть симфоний, — заметил главный дирижер оркестра.

Если попросить коллектив двух-трех оркестров сыграть одно произведение, оно прозвучит по-разному. Зависит это и от дирижера, и от музыкантов. Что же позволяет добиться идеального звучания?

— Много факторов: среди них и качество инструментов, на которых играют музыканты, и мастерство музыкантов, и сыгранность коллектива… За общее звучание оркестра, конечно, в первую очередь отвечает дирижер. Когда есть полная отдача со стороны всего коллектива, тогда можно говорить о возможном приближении к идеалу. Здесь речь и о слушателях: исполнитель всегда чувствует, насколько внимательно слушает и сопереживает публика.

Тур по Европе

В 1828 г. Паганини впервые отправился в тур по Европе. Начав с 14 концертов в Вене, он останавливался в каждом большом городе Германии, Польши и Богемии и в конце концов обосновался в Страсбурге, где оставался до 1831 года. Его успех привел к формированию культа подражания ему во всем.

В 1832 году он посетил Великобританию и совершил поездку по Англии и Шотландии, заработав огромное количество денег. В 1833 г. музыкант поселился в Париже, оставаясь там до сентября 1834 года. В этот период он снова начал страдать от различных недугов, что приводило к частым отменам его концертов и мешало его карьере.

Где сидит первая скрипка

Первая скрипка располагается слева от дирижёра на первом стуле (отсюда и её название). Это место позволяет исполнителю быть одновременно в контакте с дирижёром и с остальными музыкантами, передавая им его сообщения.

Тимоти Ли рассказывает: «‎Все дни недели у меня разные. Репетиционные дни начинаются у нас середины недели. Для каждой программы нужно от трёх до пяти репетиций.

В дни репетиций я встаю очень рано, чтобы успеть дома разыграться. Репетиция идёт с 10 до 12.30. Если есть вторая, она начинается после обеденного перерыва в 14.00 и заканчивается в 16.00. Примерно за 6-8 месяцев до начала репетиций у меня есть ещё одна задача: я должен пройтись по всему репертуару и отметить все штрихи в партии первых скрипок. Это отнимает много времени, особенно если вещь до этого не была разобрана.

На самих репетициях я очень много общаюсь с дирижёром и с другими скрипачами, а иногда и со всей струнной группой. Так мы приходим к единообразию в исполнении. Довольно часто приходится менять штрихи или артикуляцию, для того чтобы справиться с задачей, которую ставит перед нами дирижёр».

Как и многие профессиональные музыканты из оркестра, Лиз работает в консерватории. Он говорит: «Когда у меня нет репетиций, я преподаю студентам и аспирантам в Музыкальном колледже-консерватории Цинциннати. В среднем это 10-14 часов в неделю».